本帖仅仅从我认为的画面明暗规律出发，旨在帮助有这样苦恼的人。经验仅供分享，是否有用观众们在实践中检验。
从画面效果上来说明暗关系（这一段主要讨论怎样的明暗关系会看起来舒服。下一段再讨论怎么做）：
从以上画面不难看出，好的明暗（黑白灰、调子）安排有利于画面效果，先不管是写生，还是创作，是观察老实画，还是人为处理，是画室内还是画室外，是画人物还是画静物——一张画的明暗层次的安排是否合理，决定了这种画的效果。
我们将列宾的这张自画像的大颜色进行提取，可以看到几个大的面积都是在明度上被拉开的。（拉开，会比较舒服。通常说的画面有节奏，就包括了明暗拉开后产生的画面节奏）视觉效果上会感觉层次丰富，并且比较符合普遍规律“比如脸上的暗部肯定是没有头发的暗部重”等等（符合普遍规律，会显得比较贴切而生动）
从而达到看起来舒服的视觉感受
很简单的道理吧。但是正在有千万的人没有意识到。
随手找张，不注意将色块拉开的画面对比一下。
我对基础的东西保持敬畏的原因是，如果没有重视基础，画面往往会脱离人的普遍能接受的认知。
比如这一张画面里，多处的明暗关系是雷同的。而即使一个人不懂空间、不分析受光背光，长期的对人的印象里都知道一个正常的人 是不会出现这样的视觉效果，因此显得不和谐、不好看。
从视觉效果上来说（即使脱离写生范畴），一张画如果多处颜色层次雷同，那么画面会显得死板、乏味、
下图重色雷同、灰色也雷同之后，好看吗
肯定有人说，那是因为颜色都太深了。
所以我再举个例子
好看吗
上一段我们得到一个粗浅的认识——既然是在画画，又涉及到了明暗，那么这些明暗关系常常是需要拉开的（除非你想用单一的颜色组织画面，达到你想要的特定的视觉效果，你刻意追求单一的视觉效果）
即使是抄明暗，即使是室内作画打了灯光，又或者是画照片。抄都抄不准的习作比比皆是，这些都是反例。
所以这一部分，我主要讲讲怎么能“抄准”。 已经能抄准的也不算什么本事，但是我想这些人肯定已经击败了90%的素描玩家。因为下面这几张居然都是画室老师的·· 难以想象有多少自认入门，其实素描还没入门的素描玩家。
我再从一张 问题作品里，去具体聊下为什么会有这些问题，如何解决。（主要明暗环节）
这应该看起来是一张老师范画。
根据对象我们可以很清楚得看出以下问题（不根据照片也能看出，当然新手们可能会忽略）：
即使如此熟练的老师范画 也会出现明暗问题。只能说明太多人不注意基础。
对于明暗环境我认为可能要从两个方面注意
感性（观察）： 比如说，衬衣衣领的暗部，和下巴底面谁重？ 用眼睛看！ 当然是前者更重咯。
下巴底面 和脸侧面谁更深？ 当然是前者更重咯！ 然而这张画里完全没有画出 三者之间“衬衣暗部更深、下巴底面其次，脸的侧面再浅”的明暗关系。说明作者是不大注意通过观察去比较这些关系的。
初学者不一定要知道衣领的空间更靠前，所以它的暗部会比底面重 这样的“知识”
也不一定要知道 在相对顶光的光源下，底面通常比侧面重 这样的“知识”
只需要眯着眼睛去观察。眯着眼睛的作用，就是为了简化形体变化，从而看到最大的面积（色块），然后方便去比较这些色块的关系。这是最直接的办法。。
理性(理解）：在遇到很多微弱的变化的时候，我们会通过理性分析，或者说理解是有助于我们去概括、简化对象的。 立体由多个朝向的面构成，面的朝向不同，光源下当然会有不同的明度关系。最基本的受光、侧光、背光、分别对应了相对亮、相对灰、相对暗的关系。
空间上有近远变化，那么浅色由近到远会逐渐变深（变灰），深色由近到远会逐渐变浅（也是变灰）
等等这些理解，我觉得只能帮助画者有意识的去主动的观察和比较。
重新回到这一张，我相信作者应该是缺乏一些基本的认识，比如顶面和侧面要拉开（面的朝向不同），不同空间要拉开（远近高低不同），不同固有色的关系也要拉开（固有色不同） 。 如果从这几方面入手去观察比较，会得到更准确的观察结果。
但是这些理解不能代替观察。有时候知识越多，眼睛越懒。很多学生会脱离观察 绞尽脑汁去分析，去问比如：一个重颜色物体在前面，它的亮面和一个放在远处的浅色物体的灰部应该谁深一些，谁浅一些？
这不是无聊吗。眯着眼睛观察就是了。
重有多重，远有多远，具体到谁亮一点点，谁重一点点，在写生里观察就好了。
抄颜色和画关系。
抄颜色是不是就代表诚恳？ 画关系，主动去画是不是一定要编造？
写实是不是就是细腻具体？明暗上“像”究竟代表什么？
这个部分也是我想聊的。
可能聊起来会比较··纠结。还是想尝试把这些说明。因为这也是大部分的误区。
很多人画画的时候，抱着“我要认真观察、我要仔细观察”的心态去看对象的时候，就是感觉这里也很黑，那里也很黑。或者这里也很亮、那里也很亮、这里灰色的、那里也是灰色的，结果画出来会颜色一团糟有木有？
这个部分主要聊聊“怎么做”的问题。
即使是美术网里面放着的范画，也经常出现这种问题。我觉得还是因为观察的平均所导致。
再看两张。
我认为这两张学生习作在明暗上是要比老师范画还要好一些的。 很多初学者只重视制作，却忘记了把握画面关系。而我认为这两张相对好的原因，正是把大的颜色关系区分的更好一些。
很担心阐述的不够清楚，原谅我如此的啰嗦。下图是吧友对这张画的临摹和原画的对比。
@
TF金刚
我认为他已经是比较仔细的在画了。
我们看看一些区别。
在这里阐述下什么叫“抄颜色”。 如果你在画一张画的时候，试图努力将下图中a的面积和上图里A的颜色画到一样深浅，b和B的颜色试图画到一样深浅，诸如此类的想法，就可以被称之为“抄颜色”，这是画素描要避免的这么做的结果往往是无用功。也失去了写生或者临摹训练的意义。
而我更提倡的是画关系。 比如A是比B要浅的（因为衬布在A处呈现的反光)，而下图临摹中却把这个关系给画反了。 所以我会认为作者在画这张画的时候还是不够主动去提炼比较颜色关系，抄颜色是难以抄准的。它代表了平均的观察。
正确的做法是画关系。 比如
我们可以用色序的概念去分解一张画的颜色关系——
举例：上图里的标注的几个颜色关系，我们从深到浅去看，依次为 B、A、C、E、F、
而下图临摹的作品里，从深到浅，却变成了a、c、b、e、f 显然呈现出的色序是违背原画的。 临摹尚且如此，写生就更容易色序错乱，导致明暗出现问题了。
同时，上图里 E、F之间的色差，我们称之为色距， （就是颜色和颜色的跨度、举例）
色距EF是要比下图里的ef要大一些的。 所以下图里左处衬布和桌面就会显得有点贴住。
再比如色距fc 也没有画太准确，比FC要大一些，显得对比有些生硬。
怕不够清楚、再举个例子
依然是这个吧友的习作 和原图（油画转黑白之后）的对比
左图原画，从深到浅色序排列：A-B-C-D-E-F-G-H-I
右图临摹，色序依然出问题了，从深到浅色序排列：b-a-f-d-c-e- g、h、i都差不多深浅。（乱套了不是？所以自明暗看起来是不够准确的）
同时左图 G-H-I之间的色距 要明显大于g-h-i
何为主动呢？ 对象可能是有那么深的，比如你看一个人的头发，它看起来好黑，所以可能你决定在画的时候，使劲的把它涂的“特别重”
主动的去画，是主动的把握这个关系，那么其实不一定要画的“看起来那么重” 就是不要有抄颜色的心态。
我认为这张素描，就画的比较主动。 不一定要真的画的看起来 黑乎乎的，而是提炼出对象准确的色序和色距。
在自己的画面中只要同样反映的比较准确，就是一张明暗关系不错的好画了。
补充:
相机永远没有人眼看的清楚。 在很多照片里暗部确实都是黑乎乎一样的。 所以初学者上来就画照片并不是特别好的办法。通过写生 不管打灯还是不打灯，都更容易准确看到色块和色块的差别。
画照片容易陷入到抄颜色的误区。而绘画的意义并不是还原，也不可能还原对象。人在看到对象的一瞬间 就已经有了各自的不同感受，你怎么还一个真实的“原”出来？相机拍到的一定就是真实的原貌吗？ 很多人都有这个经历吧：你看一个景色或者场景很好，结果你拍下来 却不是你感受到的样子。 写实绘画很重要的是提炼——对物象最深刻的感受。那明暗关系的准确建立 就是提炼感受的一个必要环节。
从昨天夜里1点开始折腾到现在，总算到尾声了。
尽可能的啰嗦的去阐述···生怕造成误读。 当然误读肯定是存在的。
